Demi Lovato - Unbroken

Nadie habría sospechado en aquel verano de 2010 que la joven promesa de Disney Channel Demi Lovato pasaba por uno de los momentos más inestables de su vida mientras salía con el casting de Camp Rock en un exitoso tour por diferentes zonas de EEUU. Todo olía bien, claro, hasta que de un día para otro nos enteramos que la cantante y actriz había decidido internarse voluntariamente en un centro de desintoxicación y tratamiento de desórdenes mentales tras haberle asestado un puñetazo a una de las bailarinas  que actuaba junto a ella en algunos de los temas de la ya mencionada película Camp Rock. Las declaraciones: esa cantante que hasta ese momento era un ejemplo para muchos adolescentes resultó tener desórdenes alimenticios como anorexia y bulimia, además de un trastorno bipolar y cierta predisposición a consumir con frecuencia drogas. Afortunadamente, tres meses ingresada tras un admirable reconocimiento de sus problemas fueron suficiente para encauzar la vida de esta artista, que hasta día de hoy admite que la anorexia y bipolaridad son enfermedades que nos acompañan de por vida por mucho que se vayan apagando, pero que se pueden combatir e ir venciendo con ayuda. Hace escasos días, la cantante tejana celebraba por twitter su cuarto aniversario de sobriedad absoluta, hecho que celebramos desde aquí.
Sin embargo, por mucho que se hiciera en esos tres meses,  está claro que los avances se consiguen poco a poco, y en 2011 tras salir del centro de desintoxicación vimos a una Demi Lovato insegura en entrevistas en las que hablaba incansablemente de la necesidad de pedir ayuda cuando la necesitamos (pues eso ha sido su salvación) y de cómo este bache en su vida ha redefinido su música, sus intenciones y su mensaje. Quizás todo se le vino encima y se apoyó en demasiadas personas para hacer de su tercer trabajo uno épico en el que se reflejara a esa Demi Lovato renovada, un intento de incoherencia que, por lo que parece, le dio punto y final a ese sonido pop-rock que con tanta certeza definió Here we go again.

Es de agradecer que Unbroken no se haya convertido en un típico álbum de superación, pero no es coherente que alguien que asegura sentirse sincera consigo misma acepte en un disco tan estratégico en su carrera colaboraciones con intérpretes que le son indiferentes musicalmente como puede ser Jason Derulo, Missy Elliot o Dev. ¿Cómo ha pasado de trabajar con personas como John Mayer, John McLaughlin o Nick Jonas a  colaborar con Timbaland o Ryan Tedder? Está claro que la cantante deseaba sonar a 2011, aunque no fuera su sonido, quería demostrar que ella también podía hacer canciones "guays", canciones que le permitieran entrar en la radiofórmula (cosa que no había conseguido hasta ese momento), aunque ello supusiera renunciar al sonido en el que se estaba asentando. Entendemos que es esa la  razón de  ese cambio tan radical en los colaboradores de su música y de su falta de implicación en los temas, muchos de ellos ni siquiera coescritos por ella, como You're my only shorty, canción ya conocida e interpretada incluso en directo por Ariana Grande antes de que  se convirtiera en una estrella internacional; Mistake  (salvo la letra, la canción ya existía. Simplemente tuvieron que comprar los derechos sobre ella) o  la magífica pieza soul en la que presenciamos encantados un control vocal de la cantante envidiable: My love is like a star, compuesta por James Morrison y adaptada  por Toby Gad. Es éste último el mayor reponsable del tema de presentación de Unbroken: Skyscraper, la canción que, por muy balada pop estándar a piano que sea, nos marcó a todos un poquito por esa interpretación vocal tan inestable (en el mejor sentido de la palabra) y quebrada, el tema que daría voz al mensaje de superación para todas las personas que puedan haberse visto en una situación similar a la de la artista. 
Tanta renuncia en su implicación en el disco por parte de la cantante tiene sus consecuencias, y en general son negativas. Desde el corte de presentación All Night long hasta el final, vemos a Lovato moverse por una variedad musical inasumible para tratarse de un solo disco en su desesperación de demostrar lo versátil que puede ser (cuando sabemos que no lo es), intentando adaptarse a cada canción y no al revés. Y así la vemos  en registros graves bastante hostiles para ella como en Mistake o en las estrofas del tema pop Give your heart  a break, en baladas muy poco contenidas como Lightweight o en temas electro-pop mal planteados como Unbroken, que podría haber sido un hit si se hubiera puesto en manos de alguien como Zedd, Max Martin... pero no de Dreamlab, equipo que ha compuesto total o parcialmente dos de los temas más cutres que recordamos en la carrera de Demi: Hold up y Mistake o que ha hecho del mencionado tema Unbroken un batiburrillo de loops y sintetizadores a la altura del más simple editor de audios.

Quizás Timbaland no haya hecho del todo mal su trabajo, pues All night long, con esa esencia hip hop y una acertada interpretación dan un comienzo apetecible al disco, y Lightweight quizás con un par de pinceladas más habría sonado menos bruta, pero no desencanta. El sobrevalorado Ryan Tedder sí que no ha hecho un buen trabajo con Who's that boy, no solo por una letra simplista, sino sobretodo por una producción que pretende incrustar forzadamente un sonido R&B que no tiene continuidad en el álbum (y menos mal).
Desde luego, como compositora, Lovato no se ha implicado mucho en el resultado de Unbroken, y cuando lo hace, se apoya en tres personas más, y es por eso que siguen apareciendo temas de relleno como Together, realmente lamentable e infantil.
La luz, no obstante, llega en Unbroken no solo de la mano de You're my only shorty que, reconozcámoslo, le queda a la cantante como anillo al dedo, o por esa sencilla, potente y  cálida balada Fix a Heart, sino de la impecable recta final del disco que lo salva de un fracaso estrepitoso. Give you heart a break es  de lo mejor del álbum, con ese comienzo muy a lo Viva La Vida de Coldplay y un estribillo potente y fresco. In real life es un acercamiento al  R&B que merece la pena recordar  con  una letra fluida y pícara y unas estrofras sobresalientes y bien instrumentadas. A my love is like a star le sigue For the love of a daughter, ese brutal tema dedicado a la delicada relación con su padre. El tema es muy sentido y la letra, escrita por ella (por fin) , es la mejor composición del disco de lejos, pero es injusto darle el mérito de esta canción a Unbroken cuando ya había sido escrita y producida para su anterior disco (podéis oir la versión original aquí) y, de hecho, mucho mejor  que en Unbroken , pues seguía coherentemente el sonido de Here we go again sin dejar de ser emocionante para nada, así que no tiene mérito como parte de Unbroken, sino que, en todo caso, le da más prestigio  a su segundo álbum.
Todo este repertorio nos deja muy fríos, incapaces de acostumbrarnos a una Demi Lovato diferente prácticamente en cada tema. Como conjunto es indiscutible que no funciona, pero ello no nos impide darnos cuenta de la cantidad de grandes temas que existen en Unbroken y que lo salvan del fracaso por parte de la crítica. Desearíamos ver a esta cantante seguir el camino  de músico que nos vendía antes, componiendo, tocando el piano, la guitarra, etc. Mucho talento mal aprovechado que nos deja con una sensación agridulce

Puntuación: 6,4/10

Destacamos: Give your heart a break, Skyscraper, My love is like a Star, For the love of a daughter.

Mika - The boy who knew too much

Si con Life in cartoon motion Mika nos presentaba una visión colorida del mundo a través de los ojos de un niño, en The boy who knew too much existe mayor sobriedad e incoherencia para ilustrar la etapa de transición que es la adolescencia, y para ello se ha valido de la ayuda del productor Greg Wells, quien también trabajó con él en su álbum debut. 
Son precisamente temas característicos de la pubertad como la dificultad de integrarse, el rechazo de la homosexualidad por el entorno o incluso el acoso escolar los que trata Mika en sus canciones con un tono paradójicamente optimista  y letras muy buenas, escritas en su mayoría por el artista. En cuanto a melodías, la luz que caracterizó a su álbum debut se apaga un poco para demostrar la madurez que está alcanzando Mika, aunque nos sigue dejando temas muy pop en la línea de Grace Kelly, como el magnífico Blame it on the girls o We are Golden, además de darle continuidad al electropop que abordó en Relax con el track Rain, un clásico ya para siempre en la historia del pop. Mika también ha probado con estilos nuevos, demostrándonos lo polifacético que puede llegar a ser, con toques sudamericanos en Blue Eyes o baladones como Pick up off the floor o el anodino I see you, o incluso un buen intento en acústico en By the time, pero sobretodo nos ha sorprendido con ese tema tan de musical Toy boy, con unos arreglos de cuerda tan cuidados que hacen de esta pieza una estrella en su discografía. 

El mayor problema de Mika es su incapacidad de llenar un álbum con canciones a la altura de lo que todo el mundo conoce de él, y siempre nos deja cortes de relleno que quitan interés a sus trabajos, como los ya mencionados I see you, Blue eyes o el irritante Good gone girl. Por si esto no fuera poco, la estructura de algunas canciones y el estilo que aborda nos hacen sospechar sobre su desesperación por emular el resultado logrado con canciones de su anterior disco, pues a nadie se le oculta el parecido tan cantoso que existe entre Dr. John y Billy Brown, al igual que, por muy buena que sea Rain, es evidente que el éxito de Relax movió  a Mika a tener al menos un Relax 2.0 en su nuevo trabajo.
The boy who knew too much es un álbum con un concepto muy original y muy interesante, casi resultado de combinar un  experimento sociológico del entorno del cantante con un relato autobiográfico de sus propias inseguridades, con algunos temas pop magistrales y otros que no tanto, pero nadie podrá decirle a Mika que esto no suena a Mika. Al fin y al cabo, esa ha sido su mayor baza hasta ahora.


Puntuación: 6,75/10

Destacamos: Rain, Blame it on the girls, Toy boy

Lana del rey Born to die

Born to die es el segundo álbum de estudio (primero oficial) de la cantante Lana del Rey. Sacado bajo la empresa Interscope Records, Born to die vio la luz el 27 de enero de 2012 y gozó de una recepción comercial excepcional (supera los 8.000.000 discos vendidos en la actualidad) y una crítica moderadamente buena. La lista de productores a los que se unió Lana para comenzar con el disco no es corta, pues buscaba a quien consiguiera darle el sonido que ella buscaba: un híbrido entre lo orquestal  y  un pop urbano que, a pesar de no haberlo inventado ella, suena a algo único en su voz.

Un par de escuchas del álbum nos bastan para entender cómo un disco con grandes temas como Born to Die, Blue Jeans o ese canto al amor tan épico que es Videogames, no se convierte en un trabajo memorable ni especialmente sobresaliente: Lana del Rey no ha sabido mantener el nivel que nos prometía con sus singles en el resto del trabajo. Eso no significa que no nos vayamos a encontrar sorpresas gratas, como el segundo corte  llamado Off the races, con una esencia de Hip Hop (que se repite fallidamente en el bonus track Lolita) y una letra muy pícara que nos muestra a una Lana del Rey totalmente embelesada de sus novios y obsesionada en manifestar una personalidad rebelde que busca siempre amores difíciles, porque lo peligroso atrae. Y es que el alcoholismo y las malas influencias fueron un gran problema en su juventud, y es por eso que Lana del Rey ha comenzado en Born to Die a crear  su música alrededor de ese concepto radicalizado del Carpe Diem, como muestra en el corte final, This is What makes us girls, en el que relata sus salidas nocturnas, la unión con esas amigas que se convirtieron en su perdición o sus salidas de tono  y enrales (Running from the cops in our black bikini tops screaming "get us while we're hot"). No especialmente destacable este corte, aunque sí el que le precede: El fantástico Summertime Sadness, el cual contó con un remix de éxito. Una pena que hayan preferido eso al tema original. La debilidad por los hombres sigue apareciendo en baladas muy elegantes como el relleno Dark Paradise o la muy cuidada Million Dollar Man. 

Lamentablemente no hay nada más que destacar de este álbum, enturbiado por la influencia de la música trap  que no acaba de encajar con la faceta más clásica de esta artista, quedando temas como Diet Mountain Dew o Radio como nuevos rellenos  que dejan totalmente deslucido un disco que podía haber sido magistral. Sin embargo, estamos ante su primer trabajo oficial y para quienes no hayan oído su discografía, os adelantamos que lo que viene después de Born to Die está mucho mejor. Lana del Rey es una artista con marca propia, y eso es mucho más de lo que otros pueden decir.

Puntuación: 6,6/10

Destacamos: Videogames, Summertime Sadness, Off the Races, Blue Jeans, Born to Die

Leona Lewis - Christmas with love

Dadas las fechas en las que estamos hemos decidido analizar un disco navideño  que fuéramos capaces de terminar de oír. Christmas with love es el cuarto álbum de estudio de Leona Lewis con la discográfica Psyco y viene después del relativo fracaso de Glassheart. Se lanzó el 29 de noviembre de 2013 y contó con una acogida aceptable tanto por parte del single One more sleep como del álbum, habiendo certificadas más de 100.000 copias  y  llegando al  número 13 de la lista de discos más vendidos en el Reino Unido.  Estas ventas fueron sin duda favorecidas por la promoción dada por Leona del disco en varios Talent shows, haciendo presentaciones en vivo bastante memorables, con ese ambiente motown que decora algunas de las canciones del disco.
Precisamente el motown unido al característico sonido navideño es lo que nos gustaría destacar de este cortito álbum de 10 canciones no solo de versiones, sino con tres canciones inéditas y coescritas por la artista, como ese temazo de presentación One More Sleep, muy en la línea de All I want for Christmas is you, y que no entendemos cómo no ha conseguido convertirse en un nuevo himno de la Navidad (Apareció en las listas de más vendidos por última vez en 2014), o Mr Right, con las mismas intenciones que la anterior y muy coqueta, aunque no tan buena.

 De las versiones cabe destacar dos clásicos que ha conseguido hacer suyos, como la irreconocible White Christmas, con ese acompañamiento de piano a dos teclas y un tempo mucho más marcado que hace de éste un corte muchísimo mejor que el original tema, o el gran track Christmas (baby please come home), versión parecida a la de Mariah Carey, pero mejor probablemente. Su voz característica pero aparentemente frágil brilla como nunca en estos dos  clásicos hechos aún más inolvidables, con un control de los falsetes incomparable.
Con todos estos grandes temas, a los que tenemos que añadir  (siguiendo con el motown y respetando la esencia de los villancicos originales)  Winter Wonderland y I wish it could be Christmas, ¿por qué éste no es el álbum de Navidad perfecto? Pues debido al intento de Leona de reconciliar la temática navideña más moderna con villancicos de corte tradicional (Silent night, O Holy night o Ave María) que nos suenan aburridos en contraste con el sonido que la cantante pretende tratar en paralelo en un mismo trabajo. Ya estamos cansados de oír  versiones de Silent night,  O Holy Night nunca será una canción que merezca un reconocimiento especial y las capacidades líricas de Leona Lewis en Ave María se quedan en un simple  detalle anecdótico al que no le prestamos mucha atención un año después de oír el disco.

Cerca ha estado la cantante Leona Lewis de hacer un gran álbum de Navidad. Así que nos quedamos con las buenas versiones y los buenos temas inéditos que nos  ofrece en este cortito y disfrutable Christmas with Love.



Puntuación: 7,3/10

Destacamos: Christmas (baby please come home), One More Sleep, White Christmas

Olly Murs - In case you didn´t know

In case you didn't know es el segundo álbum de estudio sacado por el cantante y exconcursante de X-Factor Olly Murs en noviembre de 2011.  Acompañado de importantes éxitos en Europa gracias a sus singles Dance with me tonight y Heart skips a beat, el disco obtuvo una buena respuesta comercial solo en ese continente, llegando al número 1 en el Reino Unido y despachando hasta día de hoy un millón de copias. Este éxito no vino favorecido por una crítica agridulce de la que no podemos distar más en este blog.
In case you didn't know es un intento del cantante de no ser uno más entre los cientos de exconcursantes fallidos en talents shows como ése del que salió, abordando en casi todas sus canciones el tema estrella de las relaciones de pareja y la búsqueda de un amor que se le resiste, y esta idea tan simple y conformista se acompaña no solo de una voz disfrutable y muy versátil, sino de una producción sorprendentemente estudiada y muy bien enfocada al género pop doo wop de principios de los sesenta (sin más derivativos que un toque urbano en My heart skips a beat)  de forma un poco más acertada que la que practica hoy día Meghan Trainor, pues nadie podrá pasar por alto el cantoso parecido en el acompañamiento de Dear Future Husband con Dance with me tonight. Es éste último sin duda de lo más remarcable del álbum, con ese ya mencionado sonido doo wop que también ha sabido encajar Olly Murs en su voz y que se vuelve a cada escucha más pegajosa, o las juguetonas Just Smile, I don't love you too y Oh my Godness: tan frescas, tan positivas... tan pop.
Y la lista no acaba: I've tried everything, In case you didn't know, I'm Ok. Todas ellas bordean el mismo concepto pop sencillo pegadizo, fresco e innovador que parece creado para la voz pop ideal, que es la de Olly Murs. Incluso las baladas no suenan a temas metidos con calzador, sino que aportan un espacio de calidez y calma a este álbum sin escapar de ese concepto pop. Sí, estamos hablando del dramón amoroso de This song is about you o del íntimo  I Need you now que cierra acogedoramente el álbum.
Rabia nos da ver dos temas un poco residuales del repertorio que se quedan a medias tintas en todo y que quitan  reconocimiento a lo que aquí podríamos llamar una obra magna del pop. Estamos hablando de Anywhere else y Tell the world, bastante flojos, y básicamente los responsables de que este disco no merezca un sobresaliente.
El segundo gran problema de  In case you didn't know son las letras, algo perezosas que quizás dan demasiadas vueltas a lo mismo, y ya que no nos ofrece variedad temática, al menos podría haber escrito algo más trabajado que esté a la altura de una producción sobresaliente.

Olly Murs es una de las promesas del pop sin duda y siempre va a estar a la altura de las expectativas en la publicación de  nuevos singles, e In case you didn't know es una genial demostración de que sus éxitos sólo son una pequeña muestra de lo que hay en sus discos: Es un artista de álbumes, y eso nos encanta (aunque tenemos que decir que por desgracia oír Right place right time  y Never been better nos han hecho cambiar de opinión). Este trabajo es un baño de influencias pop bien estudiadas y sobretodo bien planteadas. Casi todo es redondo en In case you didn't know.

Puntuación: 8/10


Destacamos: Dance with me tonight,I've tried everything, I don't love you too, Oh my Godness

Taylor Swift - Speak now

Speak now es el tercer álbum de estudio de la cantante Taylor Swift, sacado a la venta en julio de 2010 por la discográfica Big Machine Records, álbum producido por Nathan Chapman y la misma Taylor. Speak now consiguió superar el millón de copias vendidas sólo una semana después de su lanzamiento en Estados Unidos, subiendo las cifras de ventas a más de 5.000.000 en la actualidad a nivel mundial.
Speak now muestra los primeros cambios de Taylor Swift hacia una artista más adulta, y ha querido hacerlo notar por méritos propios, componiendo ella el 100% de los temas que llenan Speak now, con letras mayoritariamente amorosas  que nos dejan conocer un poco más a la cantante. Y es que Swift tiene la capacidad de hacer buenas canciones solo por sus letras, que nos absorben y a veces nos llevan a plantearnos si no serán recortes de su diario por la facilidad con la que se desarrollan y nos cuentan una historia cerrada en cada tema. Sin duda algo admirable sobretodo cuando vemos cómo tantas canciones se vuelven éxitos instantáneos con estribillos repetidos hasta la saciedad.
Sin embargo, las letras no son todo en este disco. También hay melodías trabajadas y atmósferas muy logradas, sobretodo la creada alrededor de Last Kiss, ese corte íntimo de seis minutos y medio casi susurrado  que no nos importaría que durara media hora. Queremos seguir oyendo más de esos detalles minuciosos que Taylor nos relata en sus canciones.

El country ha estado presente en su creciemiento como persona y también como artista, y aunque cada vez late con menos fuerza, sigue dejando huella en Speak now,  especialmente acentuado en Mean, tercer single del disco: una respuesta a todas las personas que la critican sin fundamento, aunque tratada con mucho optimismo; o la balada coutry Dear John, también de seis minutazos (y con la que probablemente ha cultivado numerosas críticas hacia el destinatario de esta carta/canción: John Mayer), quizás demasiado lenta - tres estribillos se nos hacen mucho- aunque muy adulta, muy sólida.
La transición que comienza en Speak now y que se termina de materializar en Red (2012) da un tímido paso con más pop rock que el ya mencionado country, en temas como el pasable The Story of us (muy al estilo de 7 things de Miley Cyrus, aunque peor), la totalmente desubicada Better than revenge (que nos suena más a la Taylor Swift  de 2015 con Bad Blood) o el fantástico corte de presentación del disco: Mine, una declaración  de amor con una letra entrañable, sentida y realmente de final feliz.
Todo parece bueno en Speak now, y la realidad es que no hay nada malo. El problema es que quizás el sonido de Taylor Swift se nos sigue antojando un poco cursi e infantiloide en algunos puntos (La estrambótica Haunted o el relleno que resulta ser Inocent no acaban de cuajar del todo con las escuchas, y Speak now no suena a una chica de 19, sino a una de 15), aún cuando eso se convierte en su punto fuerte en cortes como el edulcorado pero épico Enchanted, por lo que, aunque nos gusta la senda que sigue este Speak now, necesita seguir progresando. Este disco es la promesa de que habrá algo mejor, de que se está curtiendo una artista con unas dotes de compositora bastante envidiables. Prueba de ello son los dos cortes de más de seis minutos (Last kiss, Dear John). Realmente hay que tener talento para hacer temas tan largos y hacer que resulten buenos. 

Para quien tras Speak now se haya quedado con ganas de más Taylor Swift, es altamente recomendable la versión deluxe, con tres temas más que encajarían perfectamente en la versión estándar y que están por encima de la media (Realmente bonito el comienzo arpegiado de If this was a movie  e interesante como afloran las emociones con el desarrollo de ésta). Ours se convirtió en el single promocional de esta versión deluxe y una vez más, la compositora nos ofrece una bonita historia de amor perfectamente contada.




Puntuación: 7,1/10


Destacamos: Mine, Enchanted, Last kiss, Mean, 

Amaia Montero - Si Dios quiere yo también

Si Dios quiere yo también es el tercer álbum en solitario de la cantante y compositora Amaia Montero, sacado a la venta el 15 de Septiembre de 2014 tras un descanso tomado por la cantante. El disco consiguió debutar en el número 1 de iTunes en númerosos países de América del Sur, consiguiendo además entrar en el número 1 de Promusicae (asociación que representa la industria discográfica en España), y aunque las cifras de ventas distan muchísimo de alcanzar a los anteriores trabajos de Amaia, podemos considerar  que no ha fracasado, habiendo alcanzado las 13.000 copias vendidas sólo en España. Aunque no dudamos que lo necesitaba, es probable que este descanso que se ha tomado en la música haya demostrado que la cantante no ha conseguido fidelizar a sus seguidores, pues el disco no supone ningún cambio radical que pueda decepcionar a nadie. Es más, Si Dios quiere yo también es una apuesta  concienzuda por un proyecto sólido, valiéndose la cantante y compositora de todas y cada una de las canciones que integran el disco de la ayuda de algunos de los más prestigiosos músicos del Reino Unido (Kristoffer Sonne y Karl Brazil, Bastian Juel, Nikolaj Torp Larsen,  Glen Scott, James-Bryan,etc.) salvando a este intento de algo que podría haber sonado mucho más mediocre. Además, la producción corrió a cuenta del sueco Martin Terrefé, quien ya ha trabajado con cantantes como Jason Mraz o Miguel Bosé y grupos como Train o Jesse & Joy.

Y es así como se nos presenta un disco bien ambientado y orquestado, acorde con la trayectoria de Amaia Montero y muy fácil de escuchar, con temas que suenan a clásicos instantáneos en español , como Palabras o Darte mi vida, pop latino español  sin grandes experimentaciones, pero que funcionan, y otros que están bien pero no destacan tanto, como Yo a ti también, Cuando Canto o Im-posible. Ahora bien, los problemas empiezan a vislumbrarse con cortes como este último, en los que la voz de Amaia Montero se convierte en su peor aliado, en su arma de doble filo, siendo capaz de arruinar la solemnidad de este corte en el final, no solo por esa inexplicable y patética penúltima frase de la canción ("Esta noche quiero fumarme la pipa de la paz"), sino por su incapacidad de evitar la voz nasal en ciertos registros. El problema es que esto vuelve a ocurrir en unas cuantas canciones, como Fuiste algo importante, uno de los mejores temas del disco si no fuera por ese comienzo vocal algo torpe y nuevamente el final de la misma, con una Amaia Montero incapaz de controlar bien la respiración tras el frenético final del corte; y quizás ninguno de estos casos es el más grave, sino el de ese tema de relleno llamado Inevitable, en el que, ni siquiera disimula, sino que exagera  los cambios de voz, dándonos como resultado una interpretación en la que pasa de cantar como una niña de 10 años a cantar como una de 30. Nos cuesta creer que ella haya escuchado con atención el resultado final de este tema antes de finiquitar el disco. Sin embargo, y a pesar de estos momentos torpes, su voz es personal, es entrañable y te invita a escucharla siempre sin cansarte. Abrazos Rotos es un ejemplo de ello, con una Amaia de voz entrecortada (quizás demasiado)  y confusa que se lamenta con los recuerdos de alguien a quien no puede evitar. Además, es notorio el esfuerzo que ha hecho en este disco para mejorar la técnica de su voz, que suena mucho mejor, como en el ya mencionado Por darte mi vida, Palabras o sobretodo en Todo Corazón, un corte magnífico tanto por producción, como por la letra, como por su voz; un tema sentido, con toque nostálgico pero  paradójicamente ameno y pegadizo, convirtiéndose no en lo mejor del disco, sino en un corte a la altura de lo mejor que nos ha regalado en su larga carrera (y eso es decir mucho).

Amaia Montero se ha implicado en este trabajo para hacer música en español que valga la pena sin hacer nada revolucionario. Un disco corto y entretenido que se nos va en un suspiro, con momentos irregulares y otros memorables: un resultado acogedor y satisfactorio.


Puntuación: 6,5/10

Destacamos: Todo Corazón, Abrazos Rotos, Palabras

One Direction - Up all night

Up all night es el álbum debut de la mundialmente conocida boyband One Direction, puesto a la venta por Syco y Sony Music  en Noviembre de 2011, aunque ya en 2012 fue reeditado por Columbia Records, saliendo ese mismo año.  Las cifras de ventas de One Direction son de las más altas que podemos encontrarnos en la actualidad, superando Up all night a día de hoy los 5.000.000 de discos vendidos, éxito que se ha mantenido en posteriores trabajos. 
Up all night es un disco inofensivo en cuanto a intenciones que temáticamente da muchas vueltas al tema adolescente de las relaciones amorosas, las fiestas y los desamores, siguiendo un estilo pop con derivados como teen pop, y sobretodo, powerpop. Así lo demuestra el single de presentación: What makes you beautiful, muy al estilo de What the Hell de Avril Lavigne. La misma fórmula se sigue también en What makes you beautiful 2.0 One thing, aunque algo más contenida, o incluso en Tell me a lie, con el sello de Kelly Clarkson, así que no nos sorprende en absoluto ver su nombre en los créditos de esta canción.
Es un hecho evidente que con este disco se ha intentado conducir a los chicos por los estilos más comerciales que puedan realmente convertirlos en un fenómeno, buscando en cuál se sienten más agusto, puesto que aparte de los ya mencionados temas, podemos ver a la banda estrenarse con temas electropop y dance como los que se acumulan al final del disco: Save you tonight, Stole my heart  o Everything about you, temas que no tienen motivo de ser en este álbum y que, aunque no son un mal intento, a nadie se le oculta que siguen en la línea de mediocridad de un estilo musical muy manido ya. Y de ello se han dado cuenta One Direction, pues hasta ahora hemos tenido suerte de  no toparnos con más temas así en su discografía.

Como no, también han dejado un huequito para canciones medio acústicas medio baladas que no decepcionarán a ninguna fan, pero a nosotros no nos convencen, ya que mientras More than this no tiene remedio posible, otros cortes como Same Mistakes y I wish prometen ser emotivas de no ser por lo mal tratadas que están, casi producidas como si de canciones más dinámicas se trataran, en un intento de unificar el sonido del conjunto. Las prisas a la hora de hacer este disco se notan, y la producción no está muy bien estudiada, cosa que notamos también en uno de los mejores temas que hay en Up all night: I want, siguiendo una línea de piano realmente interesante que se pierde en un estribillo ruidoso, aunque el tema sigue teniendo gancho.

Poco más nos da que decir Up all night. Es un disco de consumo rápido y muy previsible (aunque no decepcionante), y los chicos (Harry Styles, Niall Horan, Liam Payne, Louis Tomlinson y Zayn Malik) cantan bien, pero si aparte de fama quieren reconocimiento, su grado de implicación va a tener que ser mayor, ya que solo de casualidad vemos su nombre en los créditos de algunas canciones (Taken, Everthing about you y Same Mistakes), y ser artista hoy en día no puede consistir en poner la voz y una cara bonita; hay que dar algo más.



Puntuación: 5,8/10


Destacamos: What Makes you beautiful, I want, I wish, One thing

Miley Cyrus - Bangerz

Bangerz es el cuarto álbum de estudio de la mundialmente conocida cantante Miley Cyrus, sacado a la venta oficialmente el 8 de octubre de 2013. La recepción del mismo fue buena, contándose hasta la fecha más de 2.000.000 discos vendidos y más de 8.000.000 de copias digitales vendidas de los singles extraídos de dicho álbum.
Bangerz supone un cambio radical respecto a su anterior discografía, tanto en las influencias como el estilo o las intenciones. Es un álbum más sólido que los anteriores y logra un sonido más enfocado, aunque no personal. Y es lo que pasa cuando te arrimas a los más demandados productores y raperos del momento para lograr hacer un disco grande: que lo despersonalizas. Oren Yoel, Stacy Barthe, Timothy Thomas, will.i.am... y sobretodo, Pharrel Williams y Mike Will Made it. Todos parecen haberse juntado para hacer el disco por ella, pues viendo los créditos nos damos cuenta de que su participación a la hora de componer las canciones ha sido de chiste: en pocas canciones vemos su nombre inmerso en una lista que no baja de los cinco: ¿Cinco personas para componer una canción? No podemos pretender así tener marca propia. Precisamente, su nombre no ficha en absoluto en la lista de los responsables de componer dos de  los tres singles que han promocionado Bangerz (Wrecking ball, Adore you), mientras que en We Can't Stop se ayuda de unos cuantos.

De esta manera, no nos extrañará ver el sello de Pharrel Williams de forma tan descarada en algunos de los cortes del álbum, como #GETITRIGHT (o On my own en la versión deluxe), totalmente compuesta por él y con un sonido demasiado parecido a temas de su discografía, como Come get it Bae. Vamos, que solo le faltaba ser él el intérprete del tema.
Partiendo de esto, y con la máxima de que no estamos ante un disco personal, nos encontramos con un trabajo que vaga entre sonidos urbanos, hip hop,  electropop, dubstep y country-rap, aunándolos todos de manera efectiva para darle una apariencia uniforme, y comenzando de manera muy elegante con Adore you, una balada pop que líricamente no suena a  la "madurez" prometida, pero sí más que My darling, la cual, a pesar de su cuidada producción no deja indiferente a nadie con ese "Podemos hacer una película y va a ser en 3D".
Los rellenos también tienen su hueco nuevamente en este álbum de Miley. La mayor representación de ello es Maybe you're right, recordándonos éste a los medio-tempo's más flojos de la carrera de la cantante, o incluso peor.
Casi tan irrelevante como la colaboración de Britney Spears en Bangerz es la canción en la que participa: SMS (BANGERZ), un tema bastante urbano y burdo en cuanto a sonido que por suerte dura poco.
Sin embargo, no todo es malo en Bangerz. Al contrario: como se dijo antes, el conjunto es paradójicamente sólido, y esto se consigue con temas como ese single de presentación We can't stop, el cual, salvo esas horribles voces en off, y pasando por alto nuevamente una letra nada ejemplar y rimas patéticas ("ladadidadi. We like to party, dancing with Molly"), es una invitación de Miley para entrar en su onda, para dejarte llevar. 4x4 también llama la atención desde la primera escucha pues, aunque otra vez notamos demasiado la presencia de Pharrel, la mezcla de pop urbano con una especie de rap-country suena muy bien en la voz de Miley.
Temas de mayor madurez son los que tratan el desamor, como ese potente Wrecking Ball o  mejor aún, Drive, baladas poco usuales que funcionan sin ser demasiado dramáticas ni pastelosas.
Claro que ninguno de estos temas, por muy buenos que sean, pueden compararse con la canción estrella que Miley ha decidido no hacer single por razones que no entendemos, porque ese FU que canta con French Montana pide a gritos ser single y convertirse en su mayor éxito, y es que es sin duda, una de las mejores canciones que ha hecho la artista, con una Miley Cyrus furiosa, una participación nada cansina de French Montana y una mezcla del piano y dubstep que simplemente está a otro nivel que nada en este disco va a alcanzar. Un 10 para este tema.

Claramente, Cyrus se las ha apañado para buscar gente competente para perfilar este álbum como lo que ella quería que fuera. Aunque es evidente que se ha quedado a medio camino, estamos ante un disco sólido y más adulto (aunque no sabemos si mejor que Can't be tamed) en el que hay sitio para buenas baladas, temas dance y electropop nada decepcionantes (Someone else marca un gran final del trabajo), así como un compendio de estilos urbanos más acordes con la imagen que la cantante quiere dar; no obstante, si además queremos oír algo que nos suene a Miley, hace falta más implicación por su parte (Cosa que ha tenido en cuenta en su nuevo álbum gratuito Miley Cyrus and her dead pets, que aún estamos digiriendo). Quizás así, haciendo algo menos pretencioso salga un álbum menos cargante, menos excesivo,






Temas destacados: FU, We can't stop, 4x4, Drive

Puntuación: 6,3/10

Julieta Venegas - Algo Sucede

La industria musical se encuentra más que nunca en una época de tendencias, de debilidad por las modas, del deseo efímero de las cosas y, en definitiva, de impersonalidad en busca de la complacencia de grandes masas para hacer negocio  (ni que lo importante fuera la música). Y así, de esa forma, vemos pasar un desfile de cantantes de cuerpos de infarto que se hacen llamar ''iconos del feminismo'' y que buscan ''revolucionar el panorama musical'' sin darse cuenta realmente de que lo único que están haciendo es no arriesgar: hacer lo que saben que atrae gente, aunque ello suponga no ser uno mismo, aunque tu música no diga nada y nadie te recuerde en 50 años, aunque este mundo sea el mismo sin tu aportación, en definitiva, ser sumisas. Es precisamente así como las ha descrito esta estadounidense de nacionalidad mexicana llamada Julieta Venegas. A todos nos suena por canciones como Me Voy o Limón y sal, pero esos temas junto con algún otro son lo más relevante de su pasado. Sin embargo, la compositora no ha dejado jamás la música y lo más importante: no ha dejado de mejorar. 
Algo Sucede sigue a Los Momentos (2013) con una conclusión general menos analítica y social, sin dejarla de lado a la vez en ningún momento, logrando ser igualmente efectivo. Y es efectividad lo que le sobra a Julieta Venegas. Parece que ha encontrado la clave para hacer canciones pop sencillas y redondas, canciones que entran en tus oídos facilmente pero difícilmente salen de tus recuerdos y que parecen haber estado ahí desde siempre y para siempre. Ella es experta en eso, tiene su sonido y lo exprime  con bastante acierto. Esto, unido a su inconfundible y agradable voz nos invitan con gusto a dar un paseo por sus canciones, por su historia, que abarca una vasta temática que recorre su infancia (Ese Camino) , adolescencia (Esperaba), los problemas de su país (Explosión, Una Respuesta), su nostalgia, la "despedida a la tristeza" (Buenas noches desolación), la importancia de vivir el presente (Todo está aquí), sus amores (Tu calor, Algo Sucede), etc. 
Claro que toda canción necesita buenas melodías para calar en nosotros, y "Algo Sucede" lo logra.  Julieta Venegas parece haber dejado casi del todo (por fortuna) la música con toques de ranchera para hacer algo más serio, aunque ello no implica que haya dejado de lado el acordeón (característico en muchas canciones suyas) . La mayor representación de ello es Ese Camino, tema que presenta el disco y que, aunque no es lo que más destaca, es pegadiza hasta decir basta, al igual que Buenas Noches Desolación.
Otros cortes buscan ese pop efectivista ya mencionado antes, y no solo se convierten en canciones redondas, sino que suenan a lo mejor que ha podido hacer esta artista. Sí, estamos hablando de Algo Sucede y, sobretodo, del tema que antecede al resto del repertorio: Esperaba, dos joyas de este nuevo trabajo de la mexicana, sin olvidarnos de Explosión, un tema muy explícito que muestra el dolor de la cantante por las desapariciones de estudiantes y feminicidios que tan corrientes son en México y lo poco perseguidos que son. Atentos a la letra, cruda y realista. Y esa es la grandeza de la música y de esta artista: La capacidad y la intención de decir algo con la música, de usarla para dar mensajes de conciencia social. Esta canción, aunque en palabras de ella "no fue creada para ser una canción protesta", busca a gritos serlo: la claridad con la que envía este mensaje y su madurez para no sonar cursi o infantil hablando de estos temas (cosa que es muy difícil nos lo creamos o no).

El tema de México también está presente en "Una respuesta", de tempo más pausado pero también de gran calado, en el que una dolida Julieta Venegas no encuentra forma de responder a las desgracias que están ocurriendo. Un corte precioso, aunque no tanto como Dos Soledades, Porvenir o Todo está aquí, realmente hechos con buen gusto, con una grabación nítida y una producción ejemplar en la que el instrumental a piano cobra gran importancia.
La cara más floja del álbum se la dan Tu calor y Parte mía, que aunque son disfrutables y encajan en el conjunto, no están a la altura de un álbum tan exquisito, y sobretodo, Se Explicará, un tema dedicado a la hija que, por muy buenas intenciones que tenga, es infantil y recuerda a los peores temas de la cantante (que los hay ). Una pena, porque de no estar estos temas la nota del disco sería muy alta.



En conclusión, tenemos un disco variado temáticamente y coherente en cuanto a estilo y muy acorde con la trayectoria de esta artista. Canciones que cantaremos y viviremos por muchos años.  No solo hay grandes letras, sino que la cantante nos llena con su voz: sencilla pero efectiva. Siempre efectiva, Julieta Venegas



Destacadas: Esperaba, Algo Sucede, Explosión, Todo Está aquí. Dos Soledades


Puntuación: 8/10

Brandon Flowers - The Desired effect

The desired effect es el segundo álbum en solitario del cantante solista de la famosa banda The Killers: Brandon Flowers. El proyecto salió a la luz entre el 15 y 19 de mayo a nivel mundial y cuenta con la producción de Ariel Rechtshaid (Vampire Weekend, Madonna, Beyonce, Usher...) junto con el mismo cantante, quien ha buscado involucrarse de lleno en este trabajo. Dicho trabajo ha dado muy buenos resultados en el Reino Unido (más de 30.000 copias vendidas en la primera semana), aunque el baremo global ha sido más bien decepcionante.

The desired effect es más que un guiño al aura que desprende la música de los 80, esa que vio  nacer al artista, siendo apreciable el intento de trasladar a sus oyentes a otra década que identifica más a Flowers como músico. Como mayor muestra de ello, ese gran single promocional, Lonely town, el cual - aunque con una inevitable mejor producción- es a todos los efectos, un tema de otra época.
Brandon ha querido cuidar al detalle este corto pero efectivo álbum de sólo diez canciones para hacer de él un proyecto redondo. Y lo ha conseguido. En The desired effect no hay espacio para rellenos (''All killers. No fillers), con letras maduras y espirituales, como en ese tema de apertura, ''Dreams Come true'',  en el que habla de la ilusión por el comienzo en la industria con la que siempre había soñado, o ese cuidadísimo Never get you right, sobre la incapacidad de la gente de ver lo genuino de los demás y su intento por cambiar lo que es simplemente diferente (''They'll turn you into something whether you are it or not'').
Y así se va desarrollando éste disco, con guiños a diferentes grupos que han marcado la historia musical (¿Quién más ha revivido a Electric Light Orchestra con ese ''Yesterdaaaay'' en The way it's always been),  o  I can Change, con elementos de Smalltown Boy, de Bronski Beat o ese roquero tema llenaestadios Diggin' up the heart, respetando siempre un requisito que el cantante y coautor de este repertorio se ha exigido: la coherencia del conjunto. Sólo así podría trasladarnos desde el minuto uno hasta el final a ese pop- rock ochentero, con una rebosante cantidad de sintetizadores en todas las pistas que nos invitan a hacer una escucha más íntima de los temas para descubrir la riqueza de sonidos con los que ha abastecido al album.
Sin embargo, y a pesar de que no hay rellenos en el disco, hay que admitir que las canciones con las que se promocionó el álbum son lo mejor de él (I can Change, el llenaestadios Can't deny  my love y Lonely town). Ello nos pone las expectativas tan altas, que temas como Untangled Love, The way it's always been o  Dreams come true  nos van a saber a poco a pesar de ser  buenos temas, lo que nos lleva a pensar que este album podría haber sido mucho mejor de lo que es. Sus singles no son una muestra realista del disco.
No obstante, el conjunto es disfrutable y estamos ante su segundo álbum como solista. La personalidad que desborda el artista y el acierto y cuidado con el que se ha diseñado hacen de este disco uno muy recomendable, un disco que con las escuchas produce  en nosostros  ese ''efecto deseado'' por Brandon Flowers.

Temas destacados: Can't deny my love, Lonely town, I can Change


Puntuación: 8/10

Amaral - Hacia lo salvaje

El sexto álbum del grupo nacional más importante en España, Amaral, lleva el nombre de ''Hacia lo salvaje''.
Con este disco el grupo nos intenta demostrar que, después de vendernos un disco lamentable como lo era Gato Negro/ Dragón Rojo en 2007 todavía eran capaces de ofrecernos su esencia sin aburrirnos. Esta vez sí que lo han conseguido. Hacia lo salvaje es una clara apuesta nacional por la personalidad la originalidad y la calidad. Siguen muy fieles a su estilo en este discazo. Actualmente ya es disco platino en España (60.000 copias vendidas).
Se nos presentaron después de tres años en agosto de este 2011 con su primer single que llevaría el mismo nombre que el disco: Hacia lo salvaje, un tema con influencias de pop oriental. La radio, ante algo diferente, decidió no apostar por ellos, hasta que nos sorprendieron en Septiembre vendiendo en su primera semana 30.000 copias en su primera semana, certificándose como disco de oro.

El disco no se caracteriza por prestarnos variedad, aspecto que aunque os podrá parecer negativo, no lo es, ya que prácticamente todos los temas transmiten gracias a la contundente voz de la cantante Eva Amaral, a unas letras inspiradoras (que hablan de vicios, desamores... en general y como siempre, sus letras tienden a dedicarse a lo trágico) y trabajadas, y a unas melodías sencillas, pero fieles a ellos y muy convincentes.

Temas más amenos son por ejemplo, Esperando un resplandor, una irresistible apuesta como single, por ser pegadiza y dinámica; o Van como locos, repetitiva, pero cumple.
Riazor es sin duda uno de los mejores temas del disco y probablemente de su carrera. Con un comienzo lento , una letra impecable, coherente y real y una progresión hacia un corto estribillo que pone los pelos de punta.

 No ha faltado un tema liberador que nos anima a olvidarnos de todo y dejarnos llevar por la música: El principio del final.

En definitiva, un disco pop, latino y folk muy maduro y personal que sigue un estilo muy bien definido, acompañado de la original voz de Eva Amaral, con letras perfectas y melodías fieles al grupo.


A pesar de ser un grupo veterano podemos ver en este disco un paso más en su madurez, que cada vez nos sorprende más. El singular sonido de ''Si las calles pudieran hablar'' nos hace fijarnos más en una profunda letra que mezcla el amor de dos personas con los vicios e imprudencias de una chica.




Destaco: Si las calles pudieran hablar, Riazor,  Hoy es el principio del final.


Puntuación: 7,8

Jessie J - Who you are

Who you are es el primer álbum de estudio de la cantante Jessie J, estrenado en febrero de 2011.
El disco ha superado mundialmente las 500.000 copias vendidas.

En este debut, la cantante quiso lucirse mostrándonos un disco que abarca muy diversos estilos, como R&B, pop o hip hop.

La canciones pop son las que mejor le han quedado y las que más personales suenan, como Price tag o Abracadabra, ambas muy dinámicas y pegadizas, o Who's laughing now, un tema que habla de cómo se enfrenta a todas esas personas que le hicieron la  vida imposible, una de las joyas del disco sin duda.
En el resto del disco parece que se ha ido copiando de los estilos de otros artistas.

El hip hop lo encontramos en Do it like a dude, un tema que sigue un estilo muy urbano tanto por su vulgar letra como por las influencias.

En Mamma knows best quizo parecerse a Cristina Aguilera y adoptar el estilo musical de Michael Bubble.
Destaco la instrumentaria y, de no ser por alguna estupidez que intenta hacer con su voz, le pega a la perfección.

En L.O.V.E. quizo parecerse a Pixie Lott en las estrofas y en el estribillo potencia demasiado su voz en una canción que intentaba ser dulce, y por culpa de su voz poco pulida a resultado demasiado chillada.

Stand up habría encajado perfectamente en un mundial de futbol, muy al estilo de Waving flag.

Big white room fue una canción que decidió escribir cuando sufrió el derrame cerebral.
El resultado, una canción nada emotiva, sosa, empalagosa y chillada hasta el límite de lo imposible.

I need this es probablemente la canción de relleno, no aporta nada, aunque no desagrada.

En el disco vemos como la artista vaga entre diferentes estilos buscando el que más le encaja, pero no tener un sonido propio le quita credibilidad y, aunque no tiene mala voz, no puede pasarse todo el disco gritando sin tino y quitándole toda la delicadeza a sus temas. De todas maneras, debemos recordar que es un debut, y para serlo no es nada malo.





Destaco: Price tag, Abracadabra y Who's laughing now



Puntuación: 5,5

Lady Gaga - Born this way

Born this way es el segundo album de estudio de la excéntrica cantante, compositora y pianista omnipresente Lady Gaga.
Fue estrenado el 23 de mayo de 2011 y se ha convertido en uno de los más exitosos del año vendiendo en  tres meses y medio más de 5.000.000 de discos en todo el mundo.

El disco sigue un estilo dance pop, electro pop  y rock muy oscuro que resulta cansino por sus melodías machaconas y una duración excesiva en la mayoría de los temas que componen este disco, como la interminable canción            
The edge of Glory, (con una duración de 5: 19)


El sonido gótico del disco nos acompaña en canciones como Government Hooker, aburrida, vulgar y muy pobre musicalmente, o Americano, una canción patética que resulta un despropósito dentro de un disco que intentaba ser tomado en serio, o incluso Electric Chapel, un tema lleno de guitarras eléctricas y con un sonido apagado que no nos da lo que nos podemos imaginar con un pricipio bastante conseguido.



Lady Gaga no se corta en improvisar añadiendo a sus coros la palabra Gaga, que la podemos oír, no en una canción, sino en varias (Judas, Government Hooker, Bloody Mary) y, teniendo en cuenta que esto ya lo hizo en Bad Romance, esta idea ya se caducó y resulta cargante estar oyendo en todo el disco ''Gaga, Gaga''.

La elección de singles le salió genial, ya que fue bastante acertada:

1.- Lady Gaga nos prometió lo mejor con su primer tema: Born this way, que llevaría el título del disco...
Tanta expectación para un tema totalmente común y comercial del que solo se nos ocurriría resaltar una letra en la que se exige la aceptación de sí mismo. Para colmo nos muestra un videoclip de una duración inaguantable. Aún así fue un éxito mundial.

2.-  Después del su anterior hit, la cantante saca Judas, un gran tema, potente, que a pesar de  su calidad es un flop en EEUU. Un videoclip bastante bueno con una coreografía decente.

3.- Lady Gaga saca un single promocional poco antes de sacar su álbum, y consigue tantas visitas en Youtube que decide que sea su tercer single. The Edge of Glory es un tema rock desgarrador.
 Sin embargo aquí hubo un problema: al no estar de acuerdo con la idea del creador del director, lo echó y lo dirigió ella.
El resultado: Una chapuza de video, muy soso y en el que ella se menea en una calle sin conseguir llamar la atención como otras veces.

4.- Hace poco Lady Gaga sacaba su cuarto single. You and I, una balada rockera que ha sido muy bien recibida, a pesar de no ser lo que podíamos esperarnos de ella. El videoclip, ciertamente extraño no ha tenido la repercusión esperada, aunque le ha ido mucho mejor que con The Edge of Gory.

Su voz no es sobresaliente, aunque no es nada mala: Sus directos son totalmente fieles a la versión original y sus coreografías y performances muy conseguidas.


En definitiva, un disco pesado, cansino y nada pegadizo, aunque personal   y con  algunos temazos, que son los que salvan a este disco que una crítica negativa que me sugieren hacer algunas de sus canciones.
Lejos de ser ''el mejor disco de la década'' como afirmó ella que sería.


Destaco: Judas, The edge of Glory, Marry the night y ScheiBe.






Puntuación: 6